Kokteiļu receptes, stiprie alkoholiskie dzērieni un vietējie bāri

Šī jaunā mākslas izstāde ļauj nobaudīt gleznas

Šī jaunā mākslas izstāde ļauj nobaudīt gleznas

Šie puiši radīs mākslu, izmantojot visas piecas maņas, bet ko darīt, ja gleznai vajag vairāk sāls?

Pirmkārt, mākslu mēs piedzīvojam vizuāli. Ik pa laikam notiekošā modernās mākslas izstāde ļaus mums dzirdēt un pieskarties dažādām instalācijām, bet ja nu mēs varētu izbaudīt mākslu ar visām piecām maņām, ieskaitot garšu? Šo jautājumu uzdod Teits Lielbritānija, mākslas muzejs Londonā, kurā pirmizrādi piedzīvos jauna izstāde ar nosaukumu Teita Sensorijs, atklāšana šī gada rudenī. Tas ļaus jums redzēt, dzirdēt, pieskarties, saost un pat nobaudīt eksponātus.

Eksponātu precīzais raksturs tiek turēts noslēpumā, bet, ja jūs iztēlojaties cilvēkus, kas laizās klusās dabas gleznās un izbauda ābolu un banānu garšu, mēs (diemžēl) šaubāmies, ka tas tā būtu. Tā vietā saskaņā ar kvarcu, muzejs izmantos jaunas interaktīvas tehnoloģijas, lai novērtētu, kā mainās mūsu reakcija uz mākslu, kad tiek aktivizētas dažādas maņas.

"Tas viss ir nedaudz eksperimentāls, bet arī tāpēc zinātnieki patiešām ir ieinteresēti iesaistīties, jo patiesībā mēs veiksim daudz mērījumu par to, kā cilvēki reaģē uz visu," sacīja Toms Persijs no Flying Object, radošās aģentūras. izstādi, pastāstīja Kvarcs. "Un no mākslinieciskā viedokļa… ja mēs varam jēgpilni papildināt jūsu vizuālo pieredzi ar šīm pārējām četrām maņām, tad varbūt mēs varam mainīt jūsu attieksmi pret mākslu."

Izstāde darbojas kopā ar jauniem pētījumiem, kas liecina, ka neviena no mūsu maņām nedarbojas atsevišķi. Restorāni arī ņem vērā šo pētījumu: Heston Blumenthal's Resnā pīle, piemēram, piedāvā vienu no saviem ēdieniem ar iPod lai uzlabotu pieredzi.


Mākslinieka Mičela Džonsona gleznas tiks izstādītas Pamelas Volšas galerijā

Ko Menlo parkā dzīvojošais mākslinieks Mičels Džonsons raksturo kā galveno izstādi, un Pamela Volša galerija Palo Alto Krāsu kontinuums: atlasītie darbi 1988.-2021 no 15. maija līdz 26. jūnijam. Atklāšanas reģistratūra ir sestdien, 15. maijā, no pulksten 16:00 līdz 18:00. Galerija atrodas Ramona ielā 540.

Ir daudz agrāku mazāku gleznu, lai izveidotu kontekstu, kā es nonācu pie lielajām gleznām, ” Mičels skaidro. “Daži ir aizgūti no privātām kolekcijām. Daži dodas uz muzejiem. Un daži ir pārdošanā. ”

Mičela veidošanās gadi gleznotāja amatā tika veidoti Pērsonā, kur viņš saņēma MFA 1990. gadā. Tajā laikā Pārsons joprojām bija bagāts ar daudziem bijušajiem Hansa Hofmaņa studentiem: Polu Resiku, Leriju Riversu, Džeinu Freiličeru, Līlandu Belu, Nilu Bleinu un Robertu DeNiro, vecākais Ņujorka bija auglīga augsne jaunam gleznotājam, un Mičels mācījās no visiem šiem māksliniekiem.

Starp Pārsonsu, Ņujorkas muzejiem un nelieliem darbiem Frenkam Stellam un Solu Levitam Mičels sāka attīstīt savu māksliniecisko praksi un atrast savu balsi kā gleznotājs. Viņa agrīnais darbs svārstās no tīri abstraktām kompozīcijām un figūrām līdz reprezentatīvām ainavām, kas piesātinātas ar Eiropas tradīcijām.

1990. gada rudenī Mičela dzīve radikāli mainījās, kad viņam tika piedāvāts strādāt Sema Franciska studijas asistenta amatā Palo Alto. Viņš atstāja Ņujorku uz Rietumu krastu un atklāja vilinošo Kalifornijas gaismu. Ainavu maiņa uzreiz bija redzama viņa darbā. Deviņdesmitajos gados Mičels kļuva pazīstams ar ekspresionistiskām, gleznainām Kalifornijas ainavām un Eiropas bukoliskām ainām.

Divdesmito gadu sākumā Mičela darbs piedzīvoja citas atšķirīgas izmaiņas, kļūstot viņa kompozīcijām
vairāk destilēts un abstrahēts. Viņš nepārtraukti uzsver ūdensšķirtnes momentu, kad viņš apmeklēja 2005. gada Josef Albers izstādi Giorgio Morandi muzejā Boloņā, kurā tika kristalizēti jēdzieni, ar kuriem viņš jau eksperimentēja savā darbā.

To vislabāk rezumēja Albersa fonda galvenā kuratore Brenda Danilovica: “[Mičels] atzina, ka notika kaut kas ievērojams, kad šie divi maz ticamie mākslas biedri stājās viens pret otru. Rezultāts atbalsojas Džonsona darbā pēdējo divu desmitgažu laikā: precīzi un rūpīgi sakārtotas krāsas un formas pārsteidz un pārsteidzoši izspēlē viena otru. ” Kā mākslinieks, kurš jau bija sajūsmā par krāsu un formas iespējām, viņš atrada ilgstošu iedvesmu šo mākslinieku, kuri abi bija meistari, pretstatā.

Viņš sāka sajaukt lielas, ģeometriskas formas un plakanas krāsu zonas savās pilsētas ainavās Ņujorkā un Sanfrancisko, vēlāk arī pludmales ainavās Keipkodā. Izmantojot pazīstamus uzskatus kā sastatnes, viņš pārbaudīja mijiedarbību starp krāsu kontekstu - dažādību un to, kā viena nokrāsa ir saistīta ar citu - un formas kontekstu.

Šodien viņš strādā lielā, ar gaismu piepildītā studijā, kas ļauj padziļināt krāsu izpēti dabiskā gaismā un strādāt pie liela mēroga audekliem. Viņa jaunākās gleznas ir spilgti, drosmīgi, reprezentatīvi Keipkodas, Ņujorkas, Kalifornijas, Eiropas attēli un krāsainas, ģeometriskas abstrakcijas.

“No 345 Stoktonas un#8221 2021 20 吘 collas eļļa/audekls. Gleznots 2021. gada ziemā. Attēla pieklājība no Pamela Walsh galerijas Mitchell Johnson fotogrāfija ar mākslinieka pieklājību


Māksla (New Horizons)

Mākslas darbi ir gleznas un skulptūras, kuras var iegādāties no Džollijas Redas dārgumu meklētāja un ziedot muzejam, ja vien tās nav viltotas. Ziedot muzejam pirmo gabalu, Blathers varēs paplašināt muzeju, kas prasa vienas dienas celtniecību.

In New Horizons, oriģinālie un viltotie gabali izskatās citādi, ļaujot spēlētājam tos identificēt pirms iegādes. Ir 14 gabali, kas vienmēr ir oriģināli, bet lielākajai daļai ir viltota versija.

Laiku pa laikam vīrieši ciema iedzīvotāji var nosūtīt kādam iedzīvotājam mākslas darbu. Džoka un slinkie ciema iedzīvotāji var nosūtīt jebkuru mākslas darbu, kas var būt īsts vai viltots. Kaprīzie ciema iedzīvotāji var nosūtīt skulptūras, kas var būt īstas vai viltotas. Pašapmierināti ciema iedzīvotāji spēlētājam nosūtīs tikai viltotus gabalus. Ώ ] Ciemata sievietes, neatkarīgi no personības, nesūtīs spēlētājam mākslu.

Kaltu mākslu nevar pārdot Nook's Cranny, un tā būs jāatdod ciema iedzīvotājam vai jāizmet atkritumu tvertnē, lai no tās atbrīvotos.

Džollijas Redas dārgumu tralerā ir četras mākslas vietas, no kurām katra ļauj parādīt dažādus mākslas veidus. Aizmugurējā kreisajā slotā var būt jebkura glezna. Priekšējā kreisajā slotā var būt nelielas gleznas, bet aizmugurējā vidusdaļā-mazās gleznas vai nelielas skulptūras, bet aizmugurējā labajā slotā var būt jebkurš mākslas darbs. Tā kā šī ir vienīgā vieta, kurā var būt lielas skulptūras, tās ir ievērojami retākas nekā citi mākslas darbi.

Katru reizi, kad Rēds apmeklē, pastāv 20% iespēja, ka mākslas darbs, kas nav ziedots spēlētāja muzejam, tiks piespiests nārstot.


Šī jaunā mākslas izstāde ļauj nobaudīt gleznas - receptes

Daži Sakramento Mākslas muzeja Crocker apmeklētāji vienkārši nevar palīdzēt sev, saskaroties ar saldajām, ielādētajām pīrāgu rindām. Ir redzēti pirksti, kas velk impasto bezē, tāpēc tagad nemanāms plexiglass slānis aizsargā ikonisko 1961. gada gleznu Pīrāgi, pīrāgi, pīrāgi slavens un iemīļots mākslinieks Veins Tībo, kurš dzīvo netālu.

Glezna ir viens no 100 Thiebaud darbiem, ko Krokers veidojis izstādē, kurā atzīmēta Thiebaud ’ 100. dzimšanas diena šī mēneša sākumā. Redzot gleznu klātienē, glazūra kļūst par “objekta atskaņu ” patiesai lietai, pirms Tiebaud burtiski saputo eļļas krāsu kā matējumu pirms tās uzklāšanas. “Jūs vēlaties pieskarties pīrāgiem, ” saka Skots Šīldss, asociētais direktors un muzeja galvenais kurators. “Tie ’ ir taustāmi un izskatās garšīgi. ”

Pīrāgi pārstāv Thiebaud ’s daiļradi gadu desmitiem ilga darba laikā, viņš ir gleznojis visdažādākos desertus, kā arī ainavas, ielu ainavas, portretus un klaunus. Viņš ir pazīstams ar savu nostalģisko, nopietno ikdienas priekšmetu attēlojumu, kas bieži tiek atveidots ar sausu asprātību. Viņa darbi atrodas Smithsonian, kā arī MOMA, Whitney, SF MOMA un Losandželosas apgabala mākslas muzeja un citu kolekcijās. “Neskatoties uz komerciālajiem panākumiem, Thiebaud turpina virzīt robežas, ” saka Virdžīnija Meklenburga, Smitsona Amerikas mākslas muzeja 20. gadsimta mākslas vecākā kuratore.

/> Wayne Thiebaud, Arbūzi un nazis, 1989. Pastelis uz papīra. (Krokera mākslas muzejs, mākslinieka ģimenes dāvana, 1995.9.30. Un#169 2020 Wayne Thiebaud / VAGA licence mākslinieku tiesību biedrībā (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Tauriņi, 1993. Krāsu litogrāfija ar rokām pastelēta. (Krokera mākslas muzejs, mākslinieka ģimenes dāvana, 1995.9.38. Bostonas krems, 1962. Audekls, eļļa. (Crocker mākslas muzeja pirkums, 1964.22. Un#169 2020 Wayne Thiebaud / VAGA licence mākslinieku tiesību biedrībā (ARS), NY)

Pagājušajā nedēļā Crocker slēdza uz nenoteiktu laiku, jo Covid-19 pandēmijas dēļ tika ieviesti sabiedrības veselības ierobežojumi. Viss Thiebaud ’s gardums saldi gaida pie sienām. Tas ir žēl, jo gluži kā ieiešana maizes ceptuvē, lai ieelpotu reibinošo cukura un siltās maizes aromātu, pastiprina ēšanas procesu, klātienē ieraugot Thiebaud un bezē v érit é, tiek gūta pieredze, ko var atkārtot divdimensiju izdruka. Tomēr tikmēr Crocker ļauj tiešsaistes apmeklētājiem pārlūkot katru izstādes attēlu un ir piedāvājis Shields virtuālu ekskursiju vietnē YouTube.

Pats Thiebaud izstādi redzēja dažas dienas pirms izstādes atklāšanas oktobra vidū. “Viņš ienāca un svētīja to, ” saka Vairogs. “Mēs visi apsolījāmies turēties 20 pēdu attālumā no viņa. ” Neskatoties uz viņa slavu un miljoniem dolāru, ko viņa gleznas nopērk izsolē, Thiebaud piedāvā sevi kā piezemētu un pašiznīcinošu. Intervijā viņš saka par vairāk nekā 500 viņam nosūtītajām dzimšanas dienas kartītēm un vēstulēm: “Mēs to saņēmām šausmīgi daudz. Es biju tik pateicīgs cilvēkiem, kas to darīja. Es nekad nejūtu, ka esmu to pelnījis. ”

Un kā viņš pavadīja savu simtgades dzimšanas dienu? Es paliku pidžamā un peldmētelī, un neko nedarīju, izņemot jaukus tālruņa zvanus no cilvēkiem. ”

100 gadu vecumā Thiebaud paliek aktīvs, vairākas reizes nedēļā spēlē tenisu. “Tas ir diezgan lēns teniss, bet mums tas patīk, un viņš saka. “Mēs izbraucam kopā ar daudziem citiem veciem biedriem un spēlējam dubultspēles. Izbraucot uz ceļa, viņš redz automašīnas, uz kurām ir speciāla numura zīme, kuru viņš veidojis, un kurā redzama saule rietam Klusajā okeānā ar palmu rindu gar krastu. Kopš 1993. gada pārdošanas apjomi Kalifornijas Mākslas padomei ir uzkrājuši 25 miljonus ASV dolāru. Thiebaud smejas, kad viņam vaicā, vai viņa automašīna ir sportiska. “Nē, ” viņš saka. “I ’d es samulsu. ”

Numura zīme ar Thiebaud mākslas darbu. (Pieklājīgi no Kalifornijas Mākslas padomes)

Vissvarīgākais ir tas, ka viņš glezno gandrīz katru dienu. “Visvairāk nopietno gleznotāju visu laiku glezno. Jums ir jākrāso tik daudz, lai iegūtu tik maz, ” viņš saka.

“Gleznošana ir ļoti, ļoti grūta lieta, un mums ir paveicies vēstures gaitā būt gleznotāju kopienā. Protams, viņi ir burvji un brīnumaini darbinieki. ”

1962. gadā Ņujorkas galerijas īpašnieks Alans Stouns uzsāka Thiebaud ’s karjeru, uzdāvinot viņam personālizrādi, un, lai gan Thiebaud bieži tiek uzskatīts par daļu no 󈨀. gadu popmākslas, viņa deserta darbs bija pirms tam. “ Veins pirmām kārtām ir gleznotājs, taču, lai gan viņš iebilst, ka ir saistīts ar popmākslas kustību, viņš arī atradās tās uzsākšanas pirmajā stāvā, ” saka Meklenburga. Viņš bija pirmajā popmākslas šovā, un tieši viņa darbs daudzos aspektos noteica kustību, jo viņš svinēja parastos ikdienas dzīves objektus. ”

Thiebaud savā Sakramento studijā 1987. gadā (Mets Bults) Seržanta Veina Tībesta glezna uz lidmašīnas B-29 Kalifornijā 1944. gadā (Wayne Thiebaud papers, 1944-2001. American Art Archives, Smithsonian Institution) Thiebaud skices Amerikas mākslas arhīva kolekcijā. (Wayne Thiebaud papers, 1944-2001. American Art Archives, Smithsonian Institution)

Thiebaud noraida, ka viņš tiek klasificēts kā popmākslinieks, jo viņš ir formālists, skaidro Shields, mākslas stils, kurš ir apsēsts ar ģeometriju un formu. Piemēram, viņa slavenās gumijas mašīnas darbojas kā apļi lielākā, caurspīdīgā aplī. Un, kamēr Endijs Vorhols un citi masveidā ražoja savus darbus, Tjēbauds strādāja pie katra gabala, un viņa roka bija redzama katrā. Pat atstarpe starp objektiem tiek apmeklēta:

Pēc saldo zobu griešanas desertos Thiebaud pārcēlās uz Sanfrancisko ielas skatu 󈨊, iespaidojies no mākslinieka drauga Ričarda Dībenkorna un līdzīgām ielu ainavām. Šie gabali atspoguļo intensīvu vertikāli, un stāvas ielas izvēršas kā ruļļi. Piemēram, perspektīva Iela un ēna 1982-83, 1996, saka Shields, “ ir neiespējami, tomēr šķiet, ka tas ir iespējams. ”

Citi Crocker izstādes darbi ietver portretus, kas šķiet kā klusās dabas, kuros attēloti cilvēki, nevis augļi, un Sakramento delta ainavas, kas spēlējas ar skatu punktu, piemēram, tajā pašā darbā iekļauti koki, kas redzami no sāniem un no augšas.

Wayne Thiebaud, Iela un ēna, 1982 un#82111983/1996. Eļļa uz lina. (Krokera mākslas muzejs, mākslinieka ģimenes dāvana, 1996.3. Un#169 2020 Wayne Thiebaud / VAGA licence mākslinieku tiesību biedrībā (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Parka vieta, 1995. Krāsu kodināšana ar rokām darbināta ar akvareli, guašu, krāsainu zīmuli, grafītu un pasteļu. (Krokera mākslas muzejs, mākslinieka ģimenes dāvana, 1995.9.50. Ielejas saimniecība, 1993. Mīksto krāsu kodināšana un akvatinta ar rokām darbināta ar krāsu zīmuli. (Krokera mākslas muzejs, mākslinieka ģimenes dāvana, 1995.9.51. Un#169 2020 Wayne Thiebaud / VAGA licence mākslinieku tiesību biedrībā (ARS), NY)

Viņa talants bija redzams jau agrā bērnībā, kad viņš uzauga Kalifornijas dienvidos, un Jūtas Disnejs viņu pieņēma darbā kā karikatūristu, kad viņam bija 16 gadi. Jūs paņēmāt savus zīmējumus, un, ja viņi uzskatīja, ka esat samērā labs, jūs kļūsit par starpnieku, un viņš saka, ka darbs bija saistīts ar viena un tā paša attēla izsekošanu pa gaismas stendu, mainot tikai ekstremitātes vai sejas izteicieni. Viņš tika atlaists par piedalīšanos darbaspēka streikā, un 84 gadus vēlāk viņš uzskata, ka man patīk arodbiedrību kustība, ko tā ir darījusi tik daudz Amerikas labā. Gadu gaitā es staigāju apmēram četras vai piecas piketa līnijas. ”

Viņš arī strādāja par komerciālu mākslinieku un zīmju gleznotāju tādos uzņēmumos kā Sears Roebuck un Rexall Drugs. “Kāds viņu iemācīja ar pārliecību noteikt līniju, ” saka Shields, atsaucoties uz lineālu taisnajiem horizontāliem, kas bieži sadala Thiebaud ’s. 1942. gadā viņš iesaistījās Gaisa spēkos un uzzīmēja komiksu savai bāzes biļetenam, kā arī veidoja plakātus, veidoja morāles veidošanas filmas un daudz ko citu. No 1951. līdz 1976. gadam viņš pasniedza gleznošanu Sakramento pilsētas koledžā un Kalifornijas universitātē Deivisā, kas, pēc viņa teiktā, ir bijis ārkārtīgi nozīmīgs viņa dzīvē. Daži viņa vadītie studenti ieguva savu slavu, piemēram, Mels Ramoss un Fricis Šolderis. “Es gribēju kļūt par komerciālu mākslinieku un ilustratoru, tāpēc turpināju to līdz brīdim, kad sāku interesēties par to, ko viņi sauc par tēlotājmākslu un mācīšanu, tā, ka es pavadīju lielāko daļu savas dzīves, ” saka Thiebaud.

/> Wayne Thiebaud, Klauns ar sarkaniem matiem, 2015. Eļļa uz kuģa, 12 1/8 x 9 collas Privātā kolekcija. (© 2020 Wayne Thiebaud / VAGA licencēts Artist ’s Rights Society (ARS), NY)

Sākot ar 2014. gadu, Thiebaud ’s uzmanība pievērsās klauniem, atgriežoties bērnības atmiņās, kuras viņš joprojām spilgti atceras. “Kad es biju tikai bērns, apmēram 13, 14 gadus vecs, mēs braucām skatīties, kā vilcienā ierodas cirks pilsētā, un, ja mums paveicas, viņi ļaus mums palīdzēt nogādāt zāģu skaidas vai ūdeni ziloņiem, un #8221 viņš atgādina. “Vērojām klaunus, kuri bija pārsteidzoši cilvēki. Viņi bija ne tikai akrobāti, žonglieri un bļodiņas, bet arī atbildīgi par telts uzcelšanu, tāpēc viņi bija ļoti spēcīgi un ļoti iespaidīgi, un tas, manuprāt, palika pie manis uz visiem laikiem. ”

“Klauni ir neticami sarežģītas lietas, ” atzīmē Meklenburga. “Bozo liek jums smieties, kad esat bērns, bet viņi arī būtībā ir identitātes un personības izpildītāji. Mums nav ne jausmas, kas slēpjas aiz visa mākslīgi uzklātā aplauzuma un sīpolainā deguna. ” Piemēram, Thiebaud un#8217s 2017. gada gleznā Klauns ar čemodānu, vīrietis slēpj savu klauna identitāti ielas apģērbā, stāvot drūmā gravitā, kamēr viņa čemodāns pārraida pēc iespējas lielākus burtus, vārdu “Bozo. ”

Daudzās viņa gleznās ir mazie elementi, bieži vien komiski, kas atalgo rūpīgu pārbaudi. “Jūs vēlaties rūpīgi aplūkot gleznas, lai jūs patiešām varētu saprast, par ko tās ir saistītas, un saka Tībo. Diemžēl muzeja struktūras un tā tālāk dēļ cilvēkiem ir maz laika, lai paskatītos, bieži vien tikai dažas sekundes, un viņi dodas tālāk, kur cilvēki, kuriem patīk gleznas, pavadīs pat stundas, skatoties uz vienu gleznu, un tā atklāsies kā filmu, piemēram, kinofilmu. ”

Iespējams, tieši tāpēc Thiebaud turpina grozīt gabalus. In Betty Jean Thiebaud un grāmata, Thiebaud ’s otrā sieva noliecas uz viena elkoņa, šķietami garlaikojusies mākslas grāmatas priekšā. Bet Shields saka, ka grāmata sākotnēji tur nebija. “Tiebaud maina gleznas, dažām var būt pat pieci dažādi datumi. Viņš tos pielāgo pat desmit gadu laikā. ”

Ir četri datumi Gobelēna svārki kurā attēlota Betija Žana izsmalcināti rakstainos svārkos: 1976, 󈨖, 󈨗, 2003 —un Shields pat domā par 2020. gadu. Filmu veidotāja un skolotāja Betija Žana, kura bija redzama daudzos Thiebaud ’ portretos, nomira 2015.

/> Veins Tībo, Betty Jean Thiebaud un grāmata, 1965 un#82111969. Eļļa uz audekla. (Krokera mākslas muzejs, Wayne Thiebaud kunga un kundzes dāvana, 1969.21. Un#169 2020 Wayne Thiebaud / VAGA licence mākslinieku tiesību biedrībā (ARS), NY)

Kad jautāju Tībo, vai viņš dara kaut ko citādi, viņš atbild, un, iespējams, daudz ko. visa ideja ir pārbaudīt sevi, uzspiest sevi, riskēt radīt pat sliktas gleznas vai gleznas, kuras, jūsuprāt, kādam kādreiz nepatiks. Tā ir personiska, brīnišķīga rīcība, un es vēlos, lai to darītu vairāk cilvēku. ”

Kas attiecas uz izstādi, kas apkopo 100 gabalus, lai atzīmētu Thiebaud ’s 100 gadus, tās ietekme ir nenoliedzama. Ienāca viena persona un nosauca gleznas par dzīvi apliecinošu, un#8217 un#8221 sacīja Šīlds. “ Es tikai domāju, ka tas bija jauks veids, kā par viņiem domāt. ”

Filma "Wayne Thiebaud 100: Paintings, Prints and Drawings" ir pieejama "Crocker" līdz 2021. gada 3. janvārim, pēc tam tā ceļo uz Toledo, Ohaio Memfisu, Tenesī Sanantonio, Teksasu un Čadsu Fordu, Pensilvānijā.


Lūdzu, pieskarieties mākslas darbam: jauna Tate izstāde stimulēs visas piecas sajūtas

Deivida Bomberga “In the Hold” c.1913-4

Kellija Vārna

Kā ir nobaudīt Frānsisa Bēkona gleznu? Padoms: nekas nav līdzīgs bekonam.

Cenšoties piesaistīt nemierīgu, tehnoloģiju pārzinošu auditoriju, mākslas muzeji arvien vairāk izmanto netradicionālas metodes, lai mākslas cienītājus iesaistītu savās kolekcijās. Ņujorkas Zālamana R. Gugenheima muzejs ir izmantojis pūļa nodrošināšanas tehnoloģiju, lai organizētu YouTube videoklipu šovu. Bruklinas muzejs un Ņujorkas performanču mākslas festivāls Performa ir pieaicinājis pārtikas mākslinieci Dženiferu Rubellu, lai radītu ēdamus mākslas darbus, tostarp šūnai līdzīgu istabu, kuras sienas viņa bija pārklāta ar rozā konfektes. Šobrīd Londonas Nacionālajā mākslas galerijā tiek atskaņota skaņu mākslinieku sacerēta mūzika, ko iedvesmojušas dažas kolekcijas gleznas.

26. augustā Londonas Teits Lielbritānija turpinās šos eksperimentus, izmantojot izstādi “Tate Sensorium”, kas apvienos lielāko britu Bekona, Ričarda Hamiltona, Deivida Bomberga un Džona Lathama gleznu kvartetu ar sīkrīkiem, kas stimulē visas piecas maņas izmantojot smaržu uzpūtējus, slēptos skaļruņus, košļājamās uz šokolādes bāzes un ultraskaņas vibrācijas.

"Cilvēki bieži uzskata kolekcijas par patiešām vecu gleznu rindām," sacīja Teita multimediju producents Tonijs Gillans, "bet tehnoloģijas ļauj mums būt rotaļīgākiem."

Apmeklētājus, kuri ieiet pirmajā galerijā, kurā redzama Ričarda Hamiltona 1964. gada kolāža “Interjers II”, muzeja darbinieki mudinās paskatīties, bet arī iesmieties. Hamiltona kolāža attēlo stilīgu sievieti, kas stāv mājās ar koka grīdām un televizoru. Tomēr lieli audekla vāli paliek nekrāsoti, un TV ekrānā ir redzama Kenedija slepkavība. Lai pastiprinātu Hamiltona nepabeigto mājīgumu, muzejs ir izbāzis telpā smaržu difuzorus, kas izdala smaržas, kas izraisa sievietes vintage matu laku, tīrīšanas līdzekļus un vāju mākslas studijas līmes smaržu.


Kopīgojiet šo stāstu

Mičels un Konlijs noveda "Jazz" uz uzvaru trešajā spēlē pār Memfisu, 121-111

MEMPHIS (ABC4 Sports) - Donovans Mičels saka, ka viņš atgriežas savā Zvaigžņu līmenī.

Pārējiem Jūtas "Jazz" dalībniekiem viņš izskatās gluži kā pats.

Real Salt Lake samierinās ar neizšķirtu 1: 1 pret Minesotas United

SANDY, Juta (ABC4 Sports) - Ja pagājušās nedēļas izloze pret FC Dallas šķita vairāk kā uzvara, sestdienas vakara neizšķirtam pret Minesotas United bija jāizjūt vairāk kā sakāve.

Minesota guva spēles izlīdzinošos vārtus, kad bumba izplūda pāri gala līnijai pēc tam, kad vārtsargs Zaks Makmats iesita bumbu no aizmugures un nezināja Niko Hansenam, jo ​​RSL mājās nācās samierināties ar vienu punktu neizšķirti 1: 1.

Automašīnu vajāšana, vajāšana ar kājām noved pie bēgļa aresta Jūtas apgabalā

AMERICAN FORK, Juta (ABC4) - izsaukums par neparastu šoferi amerikāņu forkā sestdien izraisīja divas vajāšanas, virsniekus, kuri izšāva ieročus, un aizturēto.

Saskaņā ar Amerikas dakšu policijas departamenta datiem, policisti tika nosūtīti uz 500 austrumu 300 ziemeļu apgabalu Amerikas dakšā par nozagtu transportlīdzekli, kam bija ievērojami bojājumi, braucot pa visu ceļu un pretimbraucošajai satiksmei.


Mūsdienu tehnoloģijas un gleznu saglabāšanas māksla

Šis ir otrais rakstu sērijā par gleznu konservēšanas mākslu. Pirmo lasiet šeit.

Viņš ir lupatnieks, cilvēks, kurš 1860. gados pelnīja iztiku, rakņājoties pa miskasti Parīzes ielās, meklējot lupatas, ko pārdot papīra ražotājiem. Viņa 6 pēdu līdz 4 pēdu attēlu gleznoja Édouard Manet, un šodien tā ir iemīļota daļa no Norton Simon Museum kolekcijas Pasadenā, Kalifornijā. Bet Le Chiffonnier, vai Ragpicker, ir stāsts par mūsdienu mākslas saglabāšanas stāstu, kas ietver ķīmijas, inženierzinātņu, materiālu, fizikas un gaismas zinātni un tehnoloģijas, kā arī tūkstošiem vates tamponu, kas gleznu ieviesa jaunā gaismā.

Liela problēma bija nepiemērots lakas darbs. Tajā laikā Manets gleznoja Ragpicker, bija ierasts virs gleznām uzklāt dabīgu sveķu laku, lai pievienotu spīdīgu apdari. Pat 500 gadus vecs Mona Līza uzlika lakas virs da Vinči krāsas. Bet kaut kur dzīvē Ragpicker, lai padarītu gleznu gaišāku un pievilcīgāku, bija uzklāta bieza sintētiskā laka vai vairākas no tām.

Ragpicker pirms ārstēšanas. © J. Paula Getijas muzejs.

Bet lakas noveco, un gadu gaitā glezna bija ieguvusi miglu, kas slēpa Manē gleznošanas tehniku ​​kopā ar krāsām un detaļām. Lai saglabātu, 2017. gadā Nortons Saimons strādāja kopā ar Dž. Pola Getijas muzeju Losandželosā Ragpicker projekta ietvaros, atsvaidzinot trīs Manē gleznas. Ragpicker bija sliktākajā stāvoklī. Būtu nepieciešami seši mēneši, lai veiktu detalizētu pārbaudi, izmantojot dažādas tehnoloģijas, lai atklātu problēmas un izlemtu par atbilstošu gleznas saglabāšanas procesu, kam sekotu vēl seši mēneši, lai veiktu saglabāšanas darbu. Turklāt gleznā tika atrasti slēpti noslēpumi.

Devi Ormonds, Getty muzeja glezniecības konservators, bija daļa no Norton Simon un Getty muzeju komandas, kas uzņēmās uzdevumu saglabāt nemierīgo gleznu. Par gleznu virsmām viņa sāka interesēties septiņu gadu vecumā, kad Luvras apsargs viņai lika nepieskarties Van Goga gleznai. Būdama pusaudze, viņa aizrāvās ar dokumentālo filmu par Siksta kapelas atjaunošanu, domājot: „cik neticams darbs būtu tik cieši sadarboties ar virsmām un saņemt par to samaksu”.

Pirmais tehnoloģiju rīks, ko izmantoja Norton Simon, bija ultravioletās (UV) melnās gaismas zibspuldzes lampa, kas ir līdzīga tai, ko izmanto noziegumu ainās, lai meklētu norādes, piemēram, asins šļakatas. Asinis netika atrastas, bet komandas redzētais liecināja, ka augšējā laka ir ļoti bieza un rada potenciālas problēmas attiecībā uz oriģinālo krāsu. Tas bija pietiekami daudz pierādījumu nosūtīšanai Ragpicker uz Getty gleznu saglabāšanas nodaļu, lai veiktu profesionālu tehnisko pārbaudi, izmantojot dažāda veida apgaismojumu un testus.

/> Krāsu paraugu pārbaude parāda lakas sajaukšanos sākotnējā krāsā - melnos punktus - un slāņa struktūru. Tas tiek uzņemts UV gaismā un ir palielināts līdz 100 reizes. © J. Paula Getijas muzejs.

"Kā saka, attēls runā tūkstoš vārdu," sacīja Ormonds. “Kāds Francijā, skatoties uz šo gleznu un pēc tam skatoties uz UV attēlu, varēs interpretēt problēmas bez jebkādas valodas barjeras. Piemēram, UV gaismā dažādas lakas fluorescē atšķirīgi. Dabiskās lakas spīd zaļā krāsā un sintētiskās lakas zilā krāsā. Mēs redzējām, ka sintētiskās lakas zilā fluorescence bija problēma. ” Pēc tam glezna tika pārbaudīta infrasarkanajā gaismā, kas parādīja dažus vecos bojājumus un retušēšanu, ko veica iepriekšējie restauratori.

Nākamais tests bija rentgena starojums, kas palīdzēja izprast gleznu un Manē kompozīciju, ieskaitot lietas, ko viņš mainīja vai slēpa. Piemēram, klusā daba gleznas apakšā sākotnēji bija lielāka, un Manets pārkrāsoja sekcijas ar pelēkbrūnu krāsu. Ragpicker turētais personāls ir vertikāls, bet rentgenstūris parādīja, ka sākotnēji tas tika krāsots vairāk pa diagonālo leņķi. Turklāt lupatiņa sejā bija melnas zīmes, kas norāda uz plānāku krāsu. Pēc Ormonda teiktā, tas ir raksturīgi Manetam, jo ​​viņš bieži veica izmaiņas, nokasot nožuvušo krāsu.

"Visas šīs metodes dod mums priekšstatu par gleznas stāvokli, kas nozīmē, ka pirms gleznas apstrādes jūs neredzat akli, bet esat informēts par darba stāvokli," sacīja Ormonds.

Bet viņiem vajadzēja iedziļināties, lai saprastu un pārbaudītu laku šķīdību. No gleznas malas tika ņemts gandrīz mikroskopisks laku un krāsas paraugs un pārbaudīts 500x izšķirtspējā. Šis mazais paraugs parādīja laku un krāsas slāņus un atklāja lakas sajaukšanos ar oriģinālām krāsas daļiņām. Mainoties mākslinieku materiāliem, mainās arī to raksturs. Lai gan sākotnēji tiem ir mīksta tekstūra, kad krāsā esošie šķīdinātāji izžūst, tie to dara ar dažādu ātrumu un līmeni un var mikroskopiski (vai vairāk) saplaisāt. Tā ir atvere, lai lakas dziļi iekļūtu krāsā.

Ragpicker zem rentgena, kas parāda personāla un klusās dabas izmaiņas. © J. Paula Getijas muzejs.

"Tas ir kā kūkas griešana, mēs redzam visus gleznas slāņus," sacīja Ormonds. "Mēs redzējām lakas zilo fluorescenci un to, kā tā nonāk krāsas slāņos, un redzējām pigmentu daļiņas - mazus melnus punktus -, kas mums liecināja par to, cik dziļi lakas iekļuva krāsā."

No testiem tika nolemts, ka, pilnībā noņemot laku, tiks noņemta arī sākotnējā krāsa un bojājumi Ragpicker krāsas/lakas mijiedarbības dēļ. Mērķis bija pietiekami atšķaidīt laku, lai atklātu suku darbu, aizpildīt vecos bojājumus un tos retušēt.

Tagad nāk mūsdienīgi šķīdinātāji, kas ir līdzeklis, lai noņemtu lakas, kas iekrāso un slēpj krāsas triepienus un oriģinālo krāsu. Ormonds izgatavoja virkni šķīdinātāju kombināciju un veica testus ar vates tamponiem, lai noteiktu virsmas pārklājuma šķīdību. Viņa pārbaudīja sīkus laukumus gleznas malās, bet arī galvenajās sekcijās, ņemot vērā krāsu krāsu atšķirīgo šķīdību un to, kā tās reaģē uz šķīdinātājiem.

Sīkāka informācija par ultravioletajā gaismā uzņemto gleznas augšējo daļu, kurā redzama laka, kas atšķaidīta augšējā labajā stūrī. © J. Paula Getijas muzejs.

“Ir vērts veikt testus uz fona, tumšākām krāsām, gaišākām krāsām, blūzām, dzeltenām, zaļām. . . tāpēc jūs veicat sīkus, sīkus testus, lai iegūtu labu pārskatu, ”sacīja Ormonds. "Kad esat izveidojis šķīdinātāju un atradis kaut ko tādu, kas noņem virsmas pārklājumu, nesabojājot krāsas slāni, jūs sākat tīrīšanu, izmantojot mazus tamponus un iemērcot šķīdinātājā, un ļoti uzmanīgi uzklājiet to uz virsmas, līdz tas sāk noņemt laku."

Pat vates tamponi ir zinātne. Tamponu materiāls ir tīra vate, un konservatori izvelk gabalu no tufa un apgriež to gar garas koka nūjas galu. Paši izgatavojot tamponus, viņi zina vilnas saturu un novērš tādu materiālu iespējas kā smiltis vai sīki kokvilnas gabaliņi kokvilnā, kas varētu saskrāpēt virsmu. Katru tamponu izmanto apmēram ½ collas gleznas, un šeit pārņem konservatora pieredze.

"Tīrīšanas pieredze ir milzīga," sacīja Ormonds. “Konservatoriem ir jāsaprot, cik daudz lakas ir, cik viegli šķīst laka. . . kā tampons uzvedas, ar roku saprotiet, ka virsma, mainoties, uzklājot šķīdinātāju, izmainās, novērtējot tamponu, lai ātri vai lēni noņemtu laku, pat novērtējot, vai tas iestrēgst lakā. ”

Ormondam bija vajadzīgi seši mēneši, lai noņemtu pirmo lakas kārtu, izmantojot tūkstošiem tamponu un palielināmo stiklu, lai redzētu detaļas. Koncentrējoties uz sīkām detaļām, viņai bieži nācās atkāpties un paskatīties, ko viņas darbs dara ar gleznu. Visai iesaistītajai zinātnei, Ragpicker glezna nav zinātnisks objekts.

"Jūs vēlaties iegūt mākslinieka sākotnēji gleznotā attēla saliedētību," sacīja Ormonds. “My mentor’s key advice was ‘do not ever forget what it is that you are working on. It’s a painting’. . . Even though you want to get a pristine surface, it’s not worth damaging any original paint to get that.”

The Ragpicker in ultra violet light. © The J. Paul Getty Museum.

It was a challenging process where Ormond worked closely with the Scientists at the Getty Conservation institute to fully understand what had happened to the painting. Along with carefully thinning the old varnish, she also had to work around or repair past conservation techniques that did not have the advantage of current technology.

Today’s modern technology was a literal lifesaver for The Ragpicker. Many paintings have suffered from past conservation attempts. For example, the Mona Lisa had a spirits wash in 1809 that is now believed to have removed the top layer of paint, and over time the layers of varnish have given the painting a darker tone. Current conservation is involved around monitoring the painting’s environment to save La Joconde from any more damage.

But once finished, The Ragpicker took on a new life that honours Manet’s painting, his style and his original colours. It required today’s conservation technology and experts like Ormond and the team at the Getty and the Norton Simon to do the work that brings back as much light as possible to Manet’s ragpicker image.

See The Ragpicker at the Norton Simon Museum when it reopens mid-May.


Postponed due to Covid-19, Yoshitomo Nara’s I Forgot Their Names and Often Can’t Remember Their Faces but Remember Their Voices Well will debut at Dallas Contemporary on March 20. A leader of the Superflat movement, Nara traveled to Texas to install a monumental museum show — his first museum solo in the state — at the Design District museum. The exhibit will be on display until August 22.

(For more on the exhibit, see PaperCity‘s exclusive interview with Dallas Contemporary adjunct curator Pedro Alonzo.)

Explore 󈨔s fashion at Galleria Dallas’ newest art exhibit “She’s Got the Look: Fashion from the 󈨔s.” (Courtesy of Galleria Dallas)

'It's not about shock value': Russian artist skins, eats and performs sex acts on dead animals in the name of art

Petr Davydtchenko stands on a balcony overlooking the Umbrian countryside and deftly skins and dismembers a dead cat. He is in Italy for the opening of his solo exhibition Millennium Worm at the Palazzo Lucarini Contemporary in Trevi.

For the past three years, the Russian artist has been living exclusively off roadkill in an attempt to pursue a “semi-autonomous and non-governed way of life”.

Davydtchenko presents his gruesome art practice mainly through video installations. One film shows an owl lying on the side of a road unable to move, another features Davydtchenko picking up a dead rat off the ground and devouring it raw.

Animal hides are also on show in his exhibition, stretched over geometric sculptures or laid out on the floor. Alongside these is a stack of boxes, meant to represent the archive that Davydtchenko keeps at The Foundry in Maubourget, France—an artists’ residence run by the art organisation a/political, and where Dyavydtchenko has been living since 2016.

In his archive Davydtchenko preserves and stores animal parts in freezers, some of which he later thaws and eats. He also keeps a digital archive of the time, condition and GPS locations of his roadside findings, along with texts such as cooking recipes and preparation techniques. These recordings, he says, function as a diary which charts his transformation over the three years since he began living “parallel to modernity”.

"I just wanted to show that it was possible to exist alternatively, and to show that there are other options", Davydtchenko says. His work grew out of an interest in cryptocurrencies, which he saw as an alternative to mainstream economic systems.

Davydtchenko says that he does not live entirely “off-the-grid”, and uses modern technology to document his journey and importantly, relies on the destruction created by modern machinery to produce the roadkill that he feeds on.

Becky Haghpanah-Sherwin, the director of a/political, says the project was not necessarily created with the intention of being shown as an exhibition. "The Foundry", she says, “is a place of experimentation away from the art market that Petr used as a space to transition into a way of life. Nevertheless, it is often visited by people in the art world, who take interest in Petr’s work”.

Davydtchenko says his work is not performance art. “This is how I live, I eat cats where I live, now having been invited to Italy, I eat cats here. This is my way of existing.”

Not all the roadkill Davydtchenko finds is used to sustain his life, however. One six-minute video in the exhibition contains footage of the artist repeatedly inserting his penis into a dead fox’s mouth, in the corner of the frame is the Fox News logo.

The exhibition’s curator Maurizio Coccia says he is not "interested in shock value”, nor is Davydtchenko. The use of each animal has a symbolic meaning, he says, and Davytchenko’s actions in this video “relate to capitalism and media censorship, to the deepest and darkest roots of the human species”.

At the exhibition opening, Davydtchenko offered visitors a taste of a porcupine that he has slow-cooked, and whose hide and quills are displayed in one of the Palazzo Lucarini's rooms. He hopes his next project will be a pop-up restaurant serving roadkill to the public.

The greatest challenge of his practice is not the isolation of this “parallel world”—he prefers existing somewhat separated from society—but readjusting into the “big world” for events like this exhibition opening, Davydtchenko says.

Opening a restaurant will naturally mean inviting crowds of people back into his life, but Petr wants to stay hidden in the kitchen, focusing on his goal of achieving “three Michelin stars for cooking donkey penis”.


Umm, Prince Charles Is an Artist𠅊nd His Paintings Are Surprisingly Impressive

Considering ourselves (somewhat) experts of the royal family, we&rsquod like to believe we know all there is to know about the talents each family member possesses: Meghan Markle and her calligraphy skills, Kate Middleton as an amateur photographer, Queen Elizabeth is an accomplished equestrian. But it turns out that Prince Charles is full of surprises.

Not only does he play the cello, but we just learned that the Prince of Wales is also quite a skilled painter. According to a recent Clarance House Instagram Story, the 71-year-old royal is an &ldquoexperienced watercolorist.&rdquo This news doesn't come as a huge surprise, considering he is Patron of the Arts.

As it turns out, it was Charles's childhood &ldquosurrounded by art&rdquo that sparked his passion for painting. He draws inspiration from natural landscapes across the U.K., as well as from his travels abroad, often painting sceneries of places he has visited. His favorite thing to paint, however, is the surrounding areas of Queen Elizabeth&rsquos Balmoral estate.

Related Videos

In fact, a handful of his pieces have even been put on display in the Drawings Gallery of Windsor Castle since his first exhibition in 1977.

Per Insider, he also made more than $2.5 million from the sales of copies of his watercolors from 1997 to 2016, making him one of the country's best-selling living artists. Of course, all of the profits are donated to The Prince of Wales's Charitable Fund.

To see some of Charles&rsquos most famous paintings (and a shot of the prince in action), visit here.


Skatīties video: Paroda KRG BANGA (Janvāris 2022).